Frida Project Foundation совместно с Фондом инфраструктурных и образовательных программ (Группа Роснано) представляет проект «2020 → 2070» на площадке Дом-коммуна НИТУ «МИСиС».
Место проведения: Дом-коммуна НИТУ «МИСиС»
Москва, 2-й Донской проезд, д. 9 (станция метро Ленинский проспект)
Даты проведения: с 10 февраля по 15 марта 2020.
Повторяющиеся операции будут выполнять машины, а человечеству нужны люди творческие, будь то художники или учёные. Все, кто сейчас решается стать учеными, очевидно станут и лидерами будущего уклада.
О ПРОЕКТЕ
Признавая за Художником силу убеждения и влияния на социум и опираясь на опыт силы убеждения агитационных материалов, созданных художниками в разные эпохи, мы обратились с предложением к сообществу актуальных художников выступить создателями нового образа научного труда, и его первостепенности перед другими возможными профессиями.
АВТОРЫ ПРОЕКТА:ТАТЬЯНА ФОН ВАРДЕНБУРГ, МИХАИЛ СЛОБОДИНСКИЙ
Art Since (2070)
Нанотехнологические материалы, наноэлектроника и наноаугментная среда восхищают и завораживают, воплощаясь в фантазиях о будущей архитектуре, возможностях человеческого тела и приближения к бессмертию, зелёного и ответственного поведения.
"Фундаментальным решением художников, стало согласие на «Открытый код», дающий возможность любому ВУЗу страны использовать изображение арт-объектов для популяризации научных специальностей".
Михаил Слободинский
Куратор коллективного проекта
Проект в формате Art Science - объединение в искусстве, в котором уличные художники, классики, видеоарт и архитектура силами доступного художественного языка дают импульс молодому поколению, подчеркивая первостепенное значение высокотехнологичной науки и творческой инженерной мысли как для общества, так и для самих молодых людей.
Произведения объединяет единый посыл: «Какое технологическое будущее сможет построить молодое поколение учёных».
Среди объектов много сенсаций. Так инсталляция Ольги Киселёвой станет мировой премьерой достижений новой науки Археоботаники – в работе используются настоящие семена возрождённого фимиама, который человечество утратило 2000 лет назад, а теперь благодаря художникам и учёным он вновь станет благоухать.
Эрик Булатов переосмысливая свое произведение 1970 года через призму технологического прогресса, как бы спрашивает молодых: "что человечество изобретет еще через 50 лет"
Эта основная мысль объединяет все произведения. Они обращены с вопросом «Какое технологическое будущее сможет дать нам молодое поколение ученых?». Дмитрий Шорин так прямо и говорит: «Я хочу жить в этом будущем, где вы сможете мне дать новые органы. Я так смогу жить вечно. И мне это важнее, чем вечная жизнь искусства!»
Художники современного искусства, столь разные и по форме, и по содержанию, с трудом сопрягаются в одном пространстве, но ради этого проекта заговорили на одном языке.
Как оказаться востребованным в столь стремительно меняющемся мире и гордиться избранным путем.
Ответ на поверхности: повторяющиеся операции будут делать машины, а человечеству нужны будут люди творческие, будь то художники или ученые, они и станут лидерами будущего уклада.
Направления высоких технологий: возобновляемая энергетика, решение экологических задач, промышленное хранение энергии, электроники, новые материалы и композиты и их применение в строительстве, медицина и нанофармацевтика, инновации в агропромышленности, достижения агроархеологии, применение ИИ в производственных процессах наноиндустрии, биоинженерия, нейробиология и т.п. – это те области знаний, которые будут формировать наше с вами будущее.
Увы, исследования показывают, престиж научных профессий падает год от года. Оттого и самые блестящие умы ищут для себя другие пути, тем самым снижая престиж ученых, и так по ниспадающей спирали. А без ученых Россия обречена на технологическое отставание и увядание.
Признавая за Художником силу убеждения и влияния на социум; опираясь на опыт силы убеждения агитационных материалов, созданных художниками в разные эпохи, мы обратились с предложением к сообществу актуальных художников выступить создателями нового образа научного труда, и его примата над другими возможными профессиями.
Задача оказалась «родной» и «наболевшей». Будучи авангардом осмысления происходящего в обществе, художественное сообщество готово ради комфортного будущего, ради оставляемого детям наследия, ради жизни, да даже ради технологического прорыва, выдвинуться единым фронтом в поддержку идеи. И это сейчас, когда художники современного искусства, столь разные и по форме, и по содержанию, с трудом сопрягаются в одном пространстве, ради этого проекта все заговорили на одном языке, с единой понятной мыслью – пора вернуть науке ее первостепенное место.
Последние десятилетия моду в современном искусстве задавало направление Science Art – когда наука заступала на территорию искусства и давала новые медиа для использования, осмысления и творчества.
В нашем проекте Искусство с благодарностью возвращает Науке одолженные инструменты, и всей своей мощью убеждения вступается за нее.
Были отобраны признанные художников актуального искусства, Художники в колоборации с ведущими ВУЗами страны, с учеными и с инновационными институтами развития осмысляли существующие научные достижения. Среди художников, ответивших на призыв, многие имеют за плечами ученые специальности: они выпускники Технологического Института, МИСиСа, БиоФака, ВТУ им Баумана, архитекторы и профессора Сорбонны. Для творческого потенциала этой группы совершенно очевидны ограничения текущей действительности, и требуется новая реальность: технологические прорывы, инновационные идеи, научные открытия.
В результате известные художники зашли на территорию, где они формулируют научные задачи. Основной единый посыл объединяет все произведения: «Какое технологическое будущее сможет дать нам молодое поколение ученых».
Важным совместным решением художников является согласие на «Открытый код», позволяющий любому ВУЗу страны использовать изображение получившихся арт-объектов для популяризации своих научных специальностей. Некоммерческое использование изображений произведений любыми образовательными учреждениями - приветствуется.
Среди объектов есть сенсационные: так инсталляция Ольги Киселёвой станет мировой премьерой достижений новой науки Археоботаники – в инсталляции будут показаны настоящие семена возрожденного фимиама, который человечество утратило 2000 лет назад, а теперь благодаря художникам и ученым вновь станет нам благоухать. Эрик Булатов переосмысливает свое произведение 1970 года, примеряя насколько жизнь стала технологичнее с тех пор, и спрашивает молодых, что они изобретут еще через 50 лет.
Эта основная мысль объединяет все произведения. Они обращены с вопросом «Какое технологическое будущее сможет дать нам молодое поколение ученых?». Дмитрий Шорин так прямо и говорит: «Я хочу жить в этом будущем, где вы сможете мне дать новые органы. Я так смогу жить вечно. И мне это важнее, чем вечная жизнь искусства!».
Многие художники восхищены новыми, недавно возникшими технологиями. Так нанотехнологические материалы, наноэлектроника и наноаугментная среда восхищают их в фантазиях о будущей архитектуре, возможностях человеческого тела и приближения к бессмертию, зеленого и ответственного поведения. А.Савко считает, что если бы наши технологии попали бы в 17-тый век, то люди бы верили, что попали в сказку, и этим объясняет сказочную и былинную силу будущих ученых и создает их магический образ.
Сергей Чобан резюмирует «Образование – индивидуальность.». Мы очень надеемся, что наш призыв поддержит тех, кто поверит в знание, даст силу идти по выбранному пути.
Разнообразие и медиа, использованных художниками. Несколько крупных художественных полотен, картины стандартных размеров в разных техниках, комиксы, инсталляции, скульптуры, лентикулярные панели, альбомные листы, видеоарт.
Проект привлекает в музей новое поколение зрителей, еще только формирующее свое поведенческие паттерны в силу возраста. Большая часть работ была выполнена специально для Проекта.
Мир будущего, основанный на нанотехнологиях, невозможен без творчества
Анатолий Чубайс
Председатель Правления ООО «УК «РОСНАНО»
"Современное искусство можно понимать или не понимать, воспринимать или нет, стандартов не существует…"
Татьяна Фон Варденбург
Коллекционер, основатель "Frida Project Foundation". Независимый советник по искусству с 2011 года. Официальный советник по искусству корпорации «Роснано», коммерческих банков «Сбербанк Private Banking», «Росбанк», «Внешэкономбанк», «МКБ», «Инбанк», «БКС Глобал Маркет», КУ «Сбербанка», Президента РСПП, и др.
В ПРОЕКТЕ ПРИНИМАЮТ УЧАСТИЕ:
Российский современный художник
Использует скульптуру, живопись и инсталляции для создания новых смыслов между полярными понятиями
Стас Багс, получая высшее образование на кафедре анатомии и
физиологии человека, одновременно учился на программе "молодого
художника" фонда ProArte. К современному искусству его привело
длительное профессиональное занятие граффити.
Петербургский художник, бывший участник арт группы Milk&Vodka. Использует скульптуру, живопись и инсталляции для создания новых смыслов между полярными понятиями.
Работы Стаса Багса участвовали во многих групповых выставках в Германии, Франции и России. А так- же в арт-ярмарках в Мадриде, Гонгконге и Сеуле. Участник 1 и 2 Московской биеннале молодого искусства, номинант премии Кандинского 2009 .
Автор персональной выставки Северсталь в галерее Анна Нова, проект Северсталь вошел в шорт лист премии им. Курехина
РАДУЖКА
2019Г., ХОЛСТ, АКРИЛ, 100Х100 СМ
Баунсер (англ. Bouncer — тот, кто подпрыгивает) — игрушка-пружина, созданная в 1943 году в США Ричардом Джеймсом.
Мы все в детстве играли этой пружиной, она тогда называлась ныне забытым словом «Радужка». Корнею Чуковскому в свое время привезли подобную из Америки, и многие поколения детей он радовал сам, а потом и Музей Чуковского в Передел- кино показывает это маленькое чудо – шагающую пружину. Но даже такие простые вещи – это на самом деле результат долгой и вдумчивой работы. Эта пружина была запатентована лет 75 назад как результат долгих научных расчётов.
Большие идеи рождаются из ежедневных малых ступенек в учебе и науке. А дорога за окном, эта тоскливая плацкартная дорога – она ведь всё равно и движение и путь и время и жизнь. И время в этой дороге можно посвятить размышлениям
«Я формирую конструкции из противоположностей, которые невозможны друг без друга, это: жизнь- смерть, черное-белое, теплое-холодное, и так далее. Все, что способно обратить нас к вопросам о человеческой природе.»
Стас Багс
автор работ
Российская современная художница
Со стеклом работает с 2005 года. Особое внимание уделяет работе с фактурами стекла, в основном в монохромной палитре
Окончила МГХПУ им Строганова, Факультет МДиПИ художественная обработка стекла. Со стеклом работает с 2005 года в частной мастерской.
Особое внимание уделяет работе с фактурами стекла, в основном в монохромной палитре.
Участник многих выставок в составе МОСХ. Город прошлого выполнен из прозрачного стек- ла, а чтобы визуально он придавал идею исчезновения, что он растворяется в истории, но при этом он сохраняет свой облик, он создает наше богатство и не исчез бесследно. Но, тем не менее, это в прошлом.
ИЗОБРЕТЕНИЯ
2019г., металл, стекло, 110х140 см
Эта работа о новом, о будущем технологий, об удобстве этого мира, о
комфорте человечества, об изобретениях – своей работой я хотела показать
именно то, что мы можем менять этот мир. Мы можем менять маленькими
шагами, мы можем менять его глобально, мы можем изменять его полностью
или частично. Любыми способами. В моей работе, в которой собраны именно
открытия человечества, важные, которые изменили направления, которые
улучшили жизнь, которые дали возможность придумывать. Нужно желание,
стремление, ведь важно быть полезным этому миру, и важно понимать это и
идти вперед. И на самом деле это не так сложно сделать. Главное – что-то
делать.
ГОРОД
2019г., металл, стекло, 190х70х160 см
Серия работ о будущем технологий, устройстве мира и комфорте человечества
Город - это отражение эпохи, это то, что создает жизнь вокруг человека, это его удобство, это комфорт, это скорость, это скорость достижения целей, это новые технологии, это ответ времени
Идет тенденция на заботу о природе, о планете. Это очень важно. И придумывается очень много материалов, облегчающих строительство, ускоряющих их. И, действительно, важно понимание, насколько это глобальная и значимая вещь именно в современных технологиях строительства, жизни города и в общих тенденциях. Ну, вот я, наверное, все-таки больше сторонник именно новых технологий в частности потому, что они отвечают каким-то экологическим потребностям. Потому что я думаю о будущем, я думаю о будущих поколениях. Для меня это важно, где будут жить мои дети, где там будут жить мои внуки. Среди какого города. Я понимаю, что это закладывается сейчас. Так, как было заложено раньше, собственно, продолжается сейчас. И это тоже вопрос к ученым настоящего, будущего, спасибо ученым прошлого, которые тоже изменили нашу жизнь и сделали вклад в это развитие. важно – то, что мы думаем о природе и о планете, и создается, делается много открытий важных, значимых, которые, я считаю, помогут спасти, продлить жизнь нашей планете в целом и человечеству. В общем, это очень-очень важно и значимо.
«Своими работами я хотела показать, что мы можем менять этот мир. Мы можем менять маленькими шагами, мы можем менять его глобально, мы можем изменять его полностью или частично. Любыми способами.»
Яна Буланцева
Автор работ
Эрик Булатов — художник, иллюстратор, один из основателей соц-арта.
Родился
в Свердловске; переехав в Москву, окончил в 1958 году Художественный
институт имени Сурикова. Начал работать в детском издательстве «Детгиз»
совместно с Кабаковым и Васильевым; в сотрудничестве с последним
проиллюстрировал много известных произведений для детей. С 1992 года живет и работает в Париже.
ЛЫЖНИК
Посыл этой работы весьма лаконичен.
Авторы проекта: М.Слободинский,Т.фон Варденбург
«Лыжник» - обозначает все те технологические прорывы, которые произошли за последние 50 лет на примере простой композиции. Занятие лыжным спортом теперь значительно облегчено. Сможет ли новое поколение сделать столько же прорывов?
Эрик Булатов:
«В картине «Лыжник» большую роль, конечно, играет красная клетка, которая определяет сегодняшний день. Сегодняшний день – это всегда, в общем, клетка, граница, которая отделяет сегодня от завтра, от будущего, от возможного и неизвестного совершенно для нас.
В этой картине для меня было важно вот это движение, желание преодолеть, пройти сквозь эту клетку туда, в будущее. Движение именно на то, чтобы преодолеть вот эту границу, границу сегодняшнего дня, и это будущее ощутить уже, осознать, как некое светящееся пространство. Там, действительно, в этих белых клетках вокруг белое такое аморфное, а вот в среднем, там, где концентрируется вся энергия движения в глубину, там белый начинает приобретать свой собственный внутренний свет. Вот в этом дело.
И в этих во всех трех временах, в 20-м году и в 70-м году уже следующего века, также присутствует сегодня клетка вот эта. Она обязательно присутствует. Сегодня, всегда – это не завтра. Мы никогда не знаем, какое будет завтра, но мы можем тоже стараться пройти, стараться к этому свету, который возможен, который возникает там в глубине, организовать тем самым все это пространство, которое возникает по обе стороны нашего движения и освещает нам путь. Мы можем это сделать.
Либо, наоборот, возможно? То есть, картина-то как раз призывает к этому движению непосредственному, перпендикулярно плоскости картины, именно в глубину пространства. Но, конечно, наше движение может быть и не таким. Оно может быть и хаотичным, каким-то разорванным. И тогда пространство тоже будет путаным и не собранным никак. Поэтому вот эта вот концентрированность усилия, концентрированность внимания на то, чтобы двигаться, чтобы преодолевать вот это плоскостное сопротивление вот этому пространству – в этом наша задача. Это, конечно, связано, безусловно, с нашим образованием, с нашей наукой, с нашей культурой, в принципе. И в этом, в общем, был смысл этой картины моей. Я думаю, что это то, что я могу сейчас сказать для молодых ребят, для которых… Вот это вот 70-й год, знак вопроса, и есть сегодняшняя клетка. Надо двигаться туда, в глубину. Это просто необходимо.»
Эрик Владимирович берёт свою классическую работу 1970 года, с лыжником уходящим от зрителя, и красная решётка символизирует ограничения того времени. Вторая часть диптиха – обозначает все те технологические прорывы, которые произошли за последние 50 лет на примере этой простой композиции. Занятие лыжным спортом теперь значительно облегчена: углепластиковые лыжные палки, гаджеты, облегчённые лыжи с покрытиями против снега и улучшающие скольжение, облегчённая одежда, избавляющая от непогоды и делающая прогулку комфортной. Художник вопрошает у следующего поколения: а что вы сможете сделать для прогресса? Расскажите мне, каким станет этот лыжник через 50 лет. Художник вызывает молодых на соревнование – сможете ли сделать столько же прорывов, как и моё поколение.
«Что вы сможете сделать для прогресса? Расскажите мне, каким станет этот лыжник через 50 лет. Сможет ли ваше поколение сделать столько же прорывов, как и моё?»
Эрик Булатов
Автор работ
Математик, физик и художник
Участник многочисленных Биеннале искусств, десятки персональных выставок в России и за рубежом
Родился в Калуге в 1980 году, В 2002 году окончил КГПУ им. К.Э. Циолковского, живет и работает в Калуге. Участник многочисленных Биеннале искусств, десятки персональных выставок в России и за рубежом.
Работы находятся в частных и государственных коллекциях в России и за рубежом (Швеция, Швейцария, Венгрия, Германия).
Я по специальности – преподаватель математики и физики, и сам стал понимать физику только на 3-ий год преподавания. А я уверен, что если бы сопровождать уроки с забавными картинами, то там, где смешно, там и нейронные связи и мозг работают по-другому.
А когда мозг работает по-другому, то моим ученикам становится понятно, что наука
Мой сложившийся метод работы в первую очередь образ жизни вне художественной среды, вне трендов и вне социума, а каждая выставка – результат разной степени отрешенности и полного погружения в процесс.
ШНОБЕЛЕВСКАЯ ПРЕМИЯ
Серия работ посвящена Шнобелевской премии и её настоящим номинантам.
Поэтому серия моих работ посвящена Шнобелевской премии и её настоящим номинантам. Я её нарисовал в стиле школьных досок, которые могут висеть в ряду привычных нам школьных плакатов. Потому что и наука лучше запоминается, когда знаешь много про неё живые факты.
На первой картине – «Быть зверем» изображен учёный, который отрешился от мира людей, жил в стаде коз, переодевшись козлом, пытался питаться травой и перенять козлиные повадки, чтобы понять психологию этих животных.
«Память воды» – повествует о длительном споре гомеопатов во главе с Бенвенистой против фундаментальной науки, утверждающем что вода помнит об антителах в ней побывавших.
Потом Бенвениста занялся еще более экзотическими экспериментами по передаче биологической информации по телефону. Лауреат Шнобелевской премии 2017 французский ученый Марк-Антуан Фардин доказал, что коты на самом деле — это жидкость.
Работа ученого называлась «О реологии кошек», а подтверждением его теории явились тысячи фотографий котов из интернета, а также определения из школьного учебника по физике. «Ответ заключается в общем понятии «жидкость» — это вещество, которое может принимать форму сосуда, в котором находится. Кажется, с кошками это так и есть». Про это третья картина.
«Формально мои работы сложно отнести к какому-то одному жанру или стилю, но наиболее близкие – это японская манга и немецко-австрийский экспрессионизм начало XX-го века. Но эти отсылки на столько условны, что в какой-то момент перестают иметь значение потому, что я как автор пребываю в состоянии постоянного «самоварения» и герметичного существования.
Мой образ – это художник затворник или аскет, где предметом рефлексии становится мое непосредственное окружение
Алексей Васильев
Автор работ
Входит в число самых заметных современных художников России.
Монументальные псевдореалистические полотна висят в Русском музее, Третьяковке, в парижском Центре Помпиду и еще в десятке крупнейших музеев и галерей. Художник, по собственно- му определению, «не стесняется писать новый рай».
ПРИКЛЮЧЕНИЯ НАНОРОБОТОВ
Серия из шести работ из жизни нанороботов
Каждый художник заложник самого себя, как и любой профессионал. Узнаваемость художника происходит из узнаваемости наработанных им приёмов, стиля, проблематики, манеры и всего прочего, что рано или поздно превращается в стереотипы. Стереотипы хороши для стабильности, но губительны для развития, от них как в культуре, так и в науке надо уходить.
Однажды, я подсмотрел у своего сына, которому на тот момент было 5 лет, как он планирует свою компьютерную игру на листах бумаги. Это была огромное расчерченное на клеточки поле, и в каждой из них жили герои, где-то хорошие, где-то плохие, разные персонажи. Я осознал, что мне с моим достаточно большим опытом художественной жизни не придёт в голову так создавать моё видения будущего. По сути, он с научной точностью подошёл к планированию будущего.
Вот я и решил отойти от всего, что я раньше делал и попытался спланировать наше будущее, в котором нанороботы, во многом позаимствованные из фантазий сына, выполняют разную работу, и мы не всегда заранее знаем, кто из них полезный, а кто не так уж и добр.
Российский современный художник
Получил образование в Санкт-Петербургская Государственная художественно-промышленная академия (им. В.Мухиной); Национальной школе изящных искусств, Париж; Петербургский фонд культуры и искусства «Институт ПРО АРТЕ», программа «Новые технологии в современном искусстве».
Работы в коллекциях; Государственного Русского музея, ГЦСИ (Москва, Екатеринбург), Красноярский Центр Совре- менного Искусства, Фонд «Виктория», фонд «Смирнова и Сорокина», частные коллекции Германии, Великобритании, США, Чехия, Франция, Ю.Корея и др.
КУЗБАСС
Серия работ напоминает человечеству об экологическом уроне при добыче и использовании традиционных источников энергии
Художник делает это буквально, выполняя изображения шахтерской тематики, промышленных пейзажей и рабочих кузбасслаком: лак, имеющий битумную основу, производимый из каменного угля, добытого на Кузбассе.
Вторая часть – это традиционная доска, отсылающая к иконам. Соединённые вместе они наглядно показывают визуальное неприятие происходящего. Автор подталкивает человечество отказаться от старого уклада и предвосхищает вхождение в пору Новой Энергии из возобновляемых источников. Процесс развития «зеленой» энергетики в мире необратим. А отказ от его поддержки в России может нести в себе риски снижения технологического прогресса. Вторая работа обозначает надежду, что из разводов нефти вновь прорастёт девственная природа. А современные технологии идут дальше, и позволяют бережно относиться и к живым существам. Новыми героями становятся гамбургеры с искусственными компонентами, избавляя животных от хищнической эксплуатации человеком.
Обе картины повествуют о нашем общем безопасном и дружелюбном доме Земля, который становится таковым благодаря новейшим научным достижениям.
«Те папоротники, что когда-то слежались и стали составной частью нефти, как выяснилось обладают липофильной поверхностью, то есть притягивают липиды – жиры и жироподобные вещества, но отталкивают воду. Это свойство папоротников человечество может использовать для очистки воды от загрязнений нефтью. И здесь на картине они дают нам надежду.»
Илья Гапонов
Автор работ
Арт-группа HOUDINI основана в 2012 году художниками Машей Лам, Кириллом Силантьевым, и Сергеем Блохом.
HOUDINI выбирают путь сочетания несочетаемого.
В их произведениях рядом оказываются невинные и жизнерадостные образы и массивные угрожающие объекты, эффектно оттеняя друг друга.
Живут и работают в Санкт-Петербурге.
ЗАВТРАК
Мы
стоим перед длинным столом. На нем 8 машин, созданных разумом человека,
производящих органическую еду. За процессом создания продуктов
наблюдают кролик и лягушка. Они свидетели решения одного из древнейших
вопросов, терзавшего умны ученых: создание бесконечного,
возобновляемого, гуманного источника питания. Животные, в прошлом
жертвенные и подопытные, теперь восседают за одним столом с человеком.
Так на приведённом примере видно, что созданные нанотехнологами
солнечные панели дают источник энергии для выращивания мясного ананаса.
Новое поколение ученых здесь - рыцари в поисках Святого Грааля. Благородство похода, который невозможно переоценить.
Ирина Дрозд - российская современная художница. Живет и работает в Санкт-Петербурге.
Провела десяток персональных выставок в России и зарубежом.
Награды: Муза Санкт Петербурга (отделение городской пластики), премия знаменитые люди Санкт-Петербурга, номинат премии Курехина, номинант премии Инновация
БИОКОТ
БИОКЕРАМИКА, СМЕШАННАЯ ТЕХНИКА, 20Х10 СМ
Генная инженерия сегодня позволяет человеку стать рукой эволюции: то, на что раньше у природы раньше уходили сотни лет, ученые могут сделать в лаборатории за минимальное количество времени
Чтобы создавать новые виды, нужна фантазия, которая позволит их придумать. В своих произведениях я беру за основу образы насекомых и животных, которых я вижу в природе (через оптику художника) и наделяю их человеческими чертами: они и прекрасны, и необычны, и чрезвычайно милы. Возможно, когда-нибудь ученые смогут создать таких же существ, но они будут живыми и станут нашими новыми друзьями или разнообразят фауну нашей планеты. Это могут быть даже виды, которые с помощью своих особенностей принесут пользу планете и экологии. Я надеюсь, что мои монстры - это возможность задуматься о том, как будет выглядеть природа в будущем и с какими существами мы можем столкнуться. Учёные же вместе с художниками смогут определять ее особенности и визуальный образ
Я надеюсь, что мои монстры - это возможность задуматься о том, как будет выглядеть природа в будущем и с какими существами мы можем столкнуться. Учёные же вместе с художниками смогут определять ее особенности и визуальный образ
Ирина Дрозд
Автор работ
Марина Звягинцева номинант VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства ИННОВАЦИЯ (2012), Премии АРХИWOOD (2012), дважды номинант Премии Кандинского (2008 и 2009), дважды номинант премии Курехина (2011 и 2018). По версии Российского инвестиционного художественного агентства InArt, входит в список Топ-100 признанных российских художников.
Марина Звягинцева – лидер паблик-арта в России, является идеологом и куратором программы паблик-арт проектов «Спальный район», развивая идею вторжения современного искусства в культурный вакуум городских окраин.
НЕЙРОКОД: ВОСПРИЯТИЕ ИСКУССТВА
2019г, смешанная техника, 8500х2200х50 см
«Нейрокод: восприятие искусства» - это первый в нашей стране пилотный проект-исследование на стыке искусства и нейробиологии, который проводится на базе Института высшей нерв- ной деятельности и нейрофизиологии РАН, в лаборатории высшей нервной деятельности человека.
На стыке гуманитарных наук и естествознания возникла наука будущего – нейроэстетика, цель которой состоит в совмещении нейропсихологических исследований с эстетикой, путем исследования восприятия и создания искусства, а также реакции зрителя на них. Нейроэстетика – это наука о законах красоты, а красота – это залог сохранения гармонии, целостности, жизнеспособности мира. Для молодых учёных в нейроэстетике открывается захватывающая перспектива познания высших проявлений мыслительной деятельности человека через нейробиологические исследования мозга. Проект Марины Звягинцевой «Нейрокод: восприятие искусства» - это первый в нашей стране пилотный проект-исследование на стыке искусства и нейробиологии, который проводится на базе Института высшей нервной деятельности и нейрофизиологии РАН, в лаборатории высшей нервной деятельности человека.
Проект исследует законы красоты и восприятия и дает дополнительные инструменты для творчества художника, а для учёных – дополнительные знания в понимании эволюции развития человека.
На стыке гуманитарных наук и естествознания возникла наука будущего – нейроэстетика, цель которой состоит в совмещении нейропсихологических исследований с эстетикой, путем исследования восприятия и создания искусства, а также реакции зрителя на них. Нейроэстетика – это наука о законах красоты, а красота – это залог сохранения гармонии, целостности, жизнеспособности мира. Для молодых учёных в нейроэстетике открывается захватывающая перспектива познания высших проявлений мыслительной деятельности человека через нейробиологические исследования мозга. Проект Марины Звягинцевой «Нейрокод: восприятие искусства» - это первый в нашей стране пилотный проект-исследование на стыке искусства и нейробиологии, который проводится на базе Института высшей нервной деятельности и нейрофизиологии РАН, в лаборатории высшей нервной деятельности человека.
Проект исследует законы красоты и восприятия и дает дополнительные инструменты для творчества художника, а для учёных – дополнительные знания в понимании эволюции развития человека.
Входит в список Лучших современных художников России (ARTEEX), руководитель Департамента искусства и науки Университета Сорбонны и директор Международного Института Искусства и Науки. В своих работах она использует различные научные и технологические инновации, создавая крупномасштабные художественные инсталляции и интерактивные выставки.
После окончания Петербургской Художественно-промышленной Академии им. Штиглица в 1988 году, Ольга Киселёва работает в Америке по приглашению Fulbright Fondation. С начала 90х, она сотрудничает с крупнейшими фирмами Силиконовой долины в Калифорнии — Apple, Yahoo, Hewlett Packard, работает в лабораториях Калифорнийского университета.
Результаты этих исследований обобщены в диссертации, которую Ольга Киселёва защищает в 1996 году в Сорбонне. По приглашению Даниэля Бюрена и Понтюса Хюльтена, в 1995 году она становится членом Высшего института визуальных искусств при Центре Помпиду, где по- степенно начинает совмещать теоретические исследования с художественной практикой.
Ее выставки проходили в Центре Помпиду, Музее Гуггенхайма, Чикагском институте искусств и на Венецианской, Стамбульской, Дакарской, Тиранской и Московской биеннале современного искусства.
GHOST FOREST
2019г., Инсталляция: семена растений, видеоинсталляция
Это масштабная инсталляция, в которой сочетаются виртуальные и реальные элементы исчезнувших растений.
Композиция состоит из видео, представляющего тень от листьев утраченного в древности и почти восстановленного сегодня пальмового дерева региона Негев (ныне – пустыня), и коллекции мини-скульптур, воспроизводящих артефакты найденных археологами фрагментов семян исчезнувших растений региона.
Сегодня первое дерево из будущего леса утраченных и реконструированных деревьев – «Метушелах» («Methuselah»), уже восстановлено и выросло благодаря усилиям ученого-биолога Э. Соловей спустя 1500 лет со времени его полного исчезновения. Жизнь этому дереву дала древняя финиковая косточка, найденная археологами в исторической крепости Масада. Некогда на этих пустынных землях плодоносили рощи пальмовых деревьев. Пальма была одним из семи главных растений Израиля, кормивших народ на протяжении многих веков. В будущем, через какие-то пару десятков лет, мы сможем вновь гулять по такому реконструированному лесу, наслаждаться пением поселившихся в нем птиц, слышать шелест листвы и вдыхать древние-новые ароматы легендарных плодов финиковой пальмы.
Сегодня первое дерево из будущего леса утраченных и реконструированных деревьев – «Метушелах» («Methuselah»), уже восстановлено и выросло благодаря усилиям ученого-биолога Э. Соловей спустя 1500 лет со времени его полного исчезновения
В будущем, через какие-то пару десятков лет, мы сможем вновь гулять по такому реконструированному лесу, наслаждаться пением поселившихся в нем птиц, слышать шелест листвы и вдыхать древние-новые ароматы легендарных плодов финиковой пальмы
Ольга Киселева
Автор работы
Лауреат Премии Кандинского — 2010 в номинации «Молодой художник года. Проект года».
Таисия Короткова принимала участие во многочисленных выставках в Росcии и за рубежом. В том числе: Фестиваль-лаборатория «Убежище», Хельсинки, 2019, 4я Уральская индустриальная биеннале, Екатеринбург, 2017, 6я Московская Биеннале современного искусства, проект «Кинотеатр повторного фильма», 2015, 4я Московская биеннале современного искусства, основной проект «Переписывая миры» (2011), 3я Московская биеннале современного искусства, специальный проект «Шведская семья», Международная биеннале молодого искусства «Стой, кто идет?» (2010, 2008, 2006) «Квантовая запутанность» (Арсенал, Нижний Новгород, 2016).
МУЗЕЙ НАУКИ И ТЕХНИКИ
«Академгородок» - это альбом с 28 рисунками и акварелями сделанный во время вымышленного путешествия в закрытый город ученых
Рисунки сопровождены комментариями художницы и цитатами знаменитостей, там где они оказались особенно к месту.
Это современное путешествие в НИИЧАВО. Выбрана форма альбома, поскольку это заметки путешественника. Я себя представила старым художником, который отправился на этюды, и альбом рассказывает собственно о том, что художник мог там увидеть и изобразить.
Основные темы, о которых говорится в этой книге - это темы, которые наиболее популярны в современной науке, такие как исследование человеческого мозга, исследования искусственного интеллекта, создание искусственного человека, биоинженерия, работа с природными ресурсами, поиск новых альтернативных источников энергии и так далее.
Для меня при создании этой работы было самым важным показать, что наука - это зона эксперимента. Эксперимент иногда бывает удачным, иногда бывает неудачным. Но именно этот творческий процесс связывает и учёных и художников.
Для меня в новой науке самое важное это то что она подобным образом становится похожим на искусство. Потому что наукой движет любопытство и интерес к познанию границ неизвестного. Также как и искусство.
В книге Артура Кларка «Конец детства» описан огромный космический музей всех цивилизаций, созданный инопланетным разумом. В этом музее предметы расположены вне зависимости от своей функции, или какой-либо логики. Мне очень понравилась эта идея, так как я уже давно накопила свой личный архив изображений связанных с различными достижениями человеческой цивилизации и хотела объединить их в один живописный проект.
Также, когда я начала работу над этой серией, я изучала метафизический период живописи Джорджо де Кирико, в котором он работает с безлюдным стерильным пространством, с идеями нового на тот момент индустриального мира.
Техника темперной живописи, в которой выполнены работы, сама по себе диктует определенную эстетику, и в этом диалоге я обращалась не только к Де Кирико, но и к наследию русского авангарда и к живописи северного Ренессанса.
Когда я начала работу над этой серией, я изучала метафизический период живописи Джорджо де Кирико, в котором он работает с безлюдным стерильным пространством, с идеями нового на тот момент индустриального мира.
Таисия Короткова
Автор работы
ОЛЬГА КРОЙТОР
Лауреат премии Кандинского. В инсталляциях, перформансах, объектах, коллажах и видео создает образы, затрагивающие тему урбанизма и проблем жителей мегаполисов. В перформансах испытывает возможности тела и психики. Серия коллажей, сочетающая фото из газет 60-х и геометризм линий, отсылают к советскому авангарду. Коллажи из комиксов складываются в геометрические абстракции.
Мощности растут
Решающий шаг
Эти две работы я делала специально для выставки. Я использовала то медиа, с которым работаю, уже очень давно, с 2010 года это коллаж. Каждый раз я исследую новые темы для себя, я использую как правило газеты 60-тых годов. И это удивительные газеты, в том плане, что тот материал, который ты получаешь, относится к тому времени развития, надежды на будущее, как раз с верой в открытия. То, что меня больше всего интересует, и интересовало, наверно, с детства, это идея того, что мы очень много чего достигаем, и то что когда-то было придумано – становится реальностью. И то что отражено в этих коллажах – это идея покорения других планет. И идея переселения туда. Все основано на том, что в детстве я очень любила научную фантастику и до сих пор люблю и читаю. И понимаю, что многое из того что было написано уже сделано. И идея того, что люди когда-то переселятся на другие планеты мне нравится. Этого еще не случилось по каким-то объективным причинам. Это то, о чем я говорю в данных работах. В газетах 60-тых годов, которые я использую, даже те же самые рассказы… пока режешь ты постоянно не можешь оторваться от того, что там написано. Помимо того, что там очень хороший дизайн, очень хорошие фотографии, отличные шрифты, помимо этого очень интересные тексты. Почему я в данном случае использую именно газеты, почему это правильно соотносится, потому что двигаться вперёд мы не можем не учитывая опыт прошлого. Мне нравится попытка через настоящие и прошлое проникнуть в будущее. Я бы хотела. Чтобы люди могли путешествовать не только на поездах, но и преодолевать огромные расстояния, чтобы люди могли путешествовать на другие планеты и спокойно там обитать. И интересен момент столкновения с кем-то или чем-то, что там будет находится.
С детства меня интересует идея, как и почему мы очень много чего достигаем, из того, что когда-то было придумано. Как это становится реальностью.
Я бы хотела, чтобы люди могли преодолевать огромные расстояния, чтобы люди могли путешествовать на другие планеты и спокойно там обитать
Ольга Кройтор
Авторы работы
Занимается живописью, графикой, иллюстрацией, работает в анимации и кино. Член секции «Художники театра, кино и телевидения « Московского Союза Художников. Резидент Cite International des Arts Paris в Париже. Закончила МАХЛ РАХ и ВГИК, отделение «художник-постановщик анимационного кино». Студент «Свободных мастерских» при ММСИ. С 1999 года принимает участие в Российских и зарубежных выставках.
Больше всего художнице интересно наблюдать за людьми, поэтому в ее работах всегда прямо или косвенно присутствует человек.
ДИАТОМЕИ
2019г., холст, масло, паталь, 160х80 см
Диатомовые водоросли производят 40 процентов всего кислорода на планете, однако, они мало исследованы.
Диатомеи – уникальные микроорганизмы, которые привлекли меня своей уникальной формой и структурой, позже оказалось, что ученые в области нанотехнологий бьются над этой же загадкой, в частности, как водоросли выбирают одну из 200 структур строения, подходящих под решаемую задачу. Раскрыв ее, мы сможем заставить водоросли работать «на людей». Например, водоросли смогут создавать для нас микросхемы нанотенологической топологии. Благодаря уникальным свойствам с помощью диатомей можно читать историю, раскрывать преступления, оценивать экологическую обстановку.
Диатомовые водоросли производят 40 процентов всего кислорода на планете, однако, они мало исследованы.
Мой проект сосредоточен именно на этой идее. Диатомеи увеличены до огромных размеров, отчетливо видна структура рисунка, сами люди, как микроорганизмы путаются в лабиринтах этих структур, пытаясь понять, как они работают. Человеческие персонажи безлики и малы, в отличие от окружающих их водорослей, каждая из которых –это отдельная планета.
художник-модернист
Основные творческие направления Алексея Медного — графика и декоративная живопись.
Мозаичные композиции, словно собранные из цветных стеклянных осколков, отсылают к традиции художников-модернистов. Но вместе с тем, работы художника актуальны и злободневны, в их гранях отражаются события многоликого современного мира.
С 1998 года Алексей Медной работает в стиле граффити. Райтер регулярно участвует в стрит-арт фестивалях, таких как «Кофемолка» в Чебоксарах и «JustWritingMyName» в Казани; проводит персональные выставки.
В 2013 году его графическое полотно «Цирк», украсило стену жилого дома, расположенного в столице на улице Трубной.
СТУПЕНИ
«СТУПЕНИ» 2019Г., ХОЛСТ, АКРИЛ, 120Х80 СМ
Эта работа о развитии человечества, о знаниях людей, о том, как люди на своем старом опыте приобретают какой-то новый опыт, растут, развиваются.
Свеча на переднем плане символизирует то, что всем движет любовь, как бы любовь к своему делу, любовь к ближнему. И только за счет любви как бы происходит рост человека. Так в любви я наблюдаю своих детей.
Мой старший сын мечтает быть архитектором, Я думаю, конечно, технологии повлияют на то, чем он будет заниматься.
Технологии на все повлияют, и на архитектуру естественно тоже. И облики домов изменятся, и скорость стройки поменяется. Появятся трехмерные пространства, где сразу руками могут работать архитекторы или появятся какие-то другие технологии, которые помогут архитектору лучше и проще лепить сначала проект, а во-вторых в будущем очень сильно поменяются материалы, с которыми архитекторы работают. Бетон станет намного легче, прочнее, стекла будут другие, будет другой формат помещения. Дома станут легче, будет меньше фундамент, будет более экологично и так далее.
Но красивыми они будут, только если наша наука будет питаться любовью.
Российское уличное искусство
Миша Most начал свой творческий путь в 1997 году на заре развития российского уличного искусства. С 2004 создает также живописные работы. В 2006 - начало выставочной деятельности. Произведения художника были представлены на выставках в России, Украине, Азербайджане, Великобритании, США, Италии, Швейцарии, Германии, Франции и других странах Европы. Участник Московской международной биеннале современного искусства и Московской международной биеннале молодого искусства (2011, 2012). Номинант на премию Кандинского (2008).
Организатор фестивалей, куратор выставок и проектов, автор лекций, посвященных разным направлениям уличного искусства. Куратор проекта «Стена на Винзаводе» (2013). В 2016 году в Бронксе (Нью-Йорк, США) Миша Most создал одну из своих крупнейших работ за границей (300 кв.м.).
В 2017 году на фасаде металлургического завода в городе Выкса (Нижегородская область) художником была создана монументальная работа размером 10 000 кв метров, что является мировым рекордом. В сентябре 2017 на персональной выставке на Винзаводе, Миша представил уникальную разработку, рисующего-дрона.
Представленная работа - это своего рода размышление над эволюцией, прогрессом человечества в общем и отдельного индивида, в частности
ЭВОЛЮЦИЯ 2.2
2019г., холст, акрил, спрей, работа 170х260 см, 2 холста по 170х130 см, толщина холста 3 см
Мы приближаемся ко времени, когда искусственный интеллект все чаще будет замещать реальный. Возможно, совсем скоро даже в музеях будут показывать произведения, созданные уже не человеком, а роботом. Представленная работа - это своего рода размышление над эволюцией, прогрессом человечества в общем и отдельного индивида, в частности. Если мы хотим овладеть вселенной, вторгнуться в ее глубины, есть два пути - еще более осложнять конструкции космических кораблей, или ломать какие-то имеющиеся у нас физиологические механизмы закрепленные в процессе эволюции.
Ограниченные возможности нашего организма сегодня, тормозят дальнейшее развитие космических исследований. Путь к перестройке природы человека будет не простым и не скорым, в конце наукой будет создан приемлемый и оптимальный вариант человека... Кибернетический организм состоящий из мозга и искусственной оболочки будет обладать колоссальной работоспособностью.
Выпускница МГХПА им Строганова кафедра «Художественная керамика», ИСИ им. Бакштейна, «Свободных мастерских» при ММОМА.
С 2012 года активно работает с инсталляциями, соединяя новые конструкции, рэдимейды и фарфоровые элементы. Участник многих выставочных проектов, работы участвуют в аукционах и ярмарках, в мае 2019 года прошла персональная выставка «Природа вещей» в Московском музее современного искусства. Работы находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
ПРОРОСТКИ
2019г., фарфор; серия из 4-рёх работ, каждая 20х10х10 см.
Биомолекулы, имеющие формы семян с прорастающими из них корешками и веточками.
Есть перекличка между материалом скульптур - фарфором, который в своё время был очень инновационным, Китай и Япония обладавшие этим секретом были технологически впереди всей планеты, а Россия и Европа лишь пытались найти эту таинственную формулу, которая за века ничуть не изменилась. Возможно нанотехнологи внесут революционный вклад в обновление этого материала.
Считаю, что использование нанотехнологий в аргопромышленности – это путь в светлое будущее, поскольку они смогут решить главные проблемы – голода, органическая одежда и многое другое. Если молодые люди выберут путь изучения этих проблем, то они смогут влиять на жизни людей
Дарья Неретина
автор работы
ВЛАДИМИР И МАЙЯ ОПАРА
Создают видео инсталляции с использованием цифровых технологий
Владимир Опара родился в Сибири 1952 г., живет и работает в Москве с 1990 г., член Московского союза художников, член ассоциации голландских художников Pulchri Studio. Владимир и Майя много путешествуют, участвуют в европейских выставках. Владимир работает с арт объектами, создаёт видео инсталляции с использованием цифровых технологий, экспериментирует в области живописи и фотографии. Его произведения находятся в коллекциях Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, Государственном Музее Изобразительных Искусств имени Пушкина, в Московском Музее Современного Искусства и региональных музеях России, а так же в коллекциях и музеях зарубежья.
Майя Опара родилась в Сибири в 1963 г., живет и работает в Москве с 1990 г., член Московского союза художников, работает в области видео, фотографии, компьютерной графики. Майя исследует интуитивность и осознанность в восприятии реальности. Парадоксальность временных проекций реальности, конфликтность с архивом данных памяти. Участвует во всех проектах Владимира Опара.
Жужжание космоса
Нам близки идеи русского космизма. Основная идея русского космизма состоит в том, что конец этого мира, конец истории зависит от творческого акта человека. Космоцентрическое мировосприятие основа наших проектов: "Жизнь как проекция искусства", "Motion Land Scape", "я существую в постоянно изменяющемся ландшафте" , "The Heavens", "Голландия. Очень близко друг к другу". Проекты были показаны в Гааге, Амстердаме и Московском Музее Современного искусства в 2015-2018. Последняя наша работа - это видео инсталляция "Жужжание космоса", мы показали её в октябре-ноябре 2019, в Pulchri Studio в Гааге, Нидерланды. В видео инсталляции "Жужжание космоса" мы использовали наши видео записи и искусственный интеллект. Мы стремились показать, что всё состоит из всего, что мы видим не то что есть на самом деле, что космос вокруг нас и внутри нас, мы и есть космос, и космос зависит от творческого акта человека. Все наши проекты связаны между собой, нас интересует устройство Глобальной Программы, внутри которой мы находимся . Человеку Глобальная Программа представлялась через веру в божественную волю Создателя. Человечество с самого раннего этапа своего развития предполагало, что было начало, и теперь всё развивается определённым образом, то есть есть Программа. Часть Программы мы видели и видим. С появлением цифровых технологий, компьютеров, с появлением Глобально Сети Интернет, с появлением искусственного интеллекта, человечество вплотную приблизилось к пониманию, ощущению себя в Глобальной Программе. Непреодолимое любопытство движет человеком и порождает стремление увидеть всю Программу и получить код Программы. Но мы и есть важная часть Программы и часть её кода находится в каждом из нас. Понять Программу это значит сохранить устойчивость цивилизации. Когда мы говорим об устойчивости цивилизации, устойчивости и сохранении гуманитарных ценностей, мы говорим об устойчивости искусства как выразителе этих ценностей. Творческий акт, творчество является важным элементом Программы. Миссия творческих личностей очевидна - понять Программу и сохранить устойчивость цивилизации.
В 80-90-х Гоша Острецов занимался созданием костюмов, перформансов, инсталляций, работал у Поля Готье.
Позднее обращается к живописи и графике, основанной на эстетике комикса. Сюжеты построены на ироническом переосмыслении массовой культуры и политики.
Разрабатывает темы соотношения личного и общественного, навязанных обществу штампов социального поведения. Участник Венецианской биеннале (2009). Работы в Третьяковской галерее.
Большой Взрыв
2019г., холст, аркил, эмаль, 85х100 см
Картина про большой взрыв и эволюцию.
В своем произведении я беру такую тему, как большой взрыв и эволюция. И вот мы видим такой шар, как бы мрак, из которого рождается, благодаря большому взрыву распространяется огромная энергия и появляется протоматерия, потом материя, потом звезды, планеты. И появляется, наконец, жизнь, вот и наука соответственно с этой жизнью, потому что мы запрограммированы на создание второй природы.
Мы как бы стремимся и к безопасности жизни, мы создаем вторую природу. Потому что первая природа, которой мы пользуемся, она смертна. И мы создаем какие-то бессмертные вещи, как например, искусство.
И когда вот человек готовится к этой новой эпохе на пороге, которой мы сейчас стоим, это эпоха пост человечества. Потому что мы находимся в состоянии, когда мы апеллируем с понятиями, которые человеческий мозг не может абсолютно в себе усвоить. Это типа там супер маленькие величины или гигантские величины космического плана. То есть если раньше человек во всех приданиях все мерил локтями, ступнями, и все эти великие храмы, пирамиды, даже самые огромные архитектурные сооружения все равно они были соразмерны человеческому сознанию и человеческой пропорции. Потому что внутри человека заключается вообще пропорция всего космоса, его голова это интерпретирует. И соответственно пропорция, эту пропорцию художник обязан транслировать в своих произведениях.
И, например, в чем сила искусства, если делать параллели с наукой? Если, например, мы смотрим на паровоз и электровоз, для нас как бы понятно исторический контекст и что-то такое, более актуальное, а в искусстве все актуальное, и голова там Нефертити, и Джаконды, и «Черный квадрат», и там самый последний какой-нибудь виар эксперимент, виртуальной реальности художника, вот. При том всем, что все существует, в этом как бы и феномен.
Я в своей картине использую абсолютно традиционные техники, но уже в эстетике стрит-арта. То есть это графитические технологии, там и баллончик, и… все практически сделано баллончиком, и трафарет. Ну, там немножко есть такого живого рисования для придачи какой-то такой жизни экспрессивной. А на самом деле подход к этим работам я создаю таким образом, что я сначала… как раз это вот то, что отвечает на вопрос: «Что такое творчество?» Все начинается с большого взрыва. То есть я беру холст белый, выплескиваю краску, то есть это соответствует первой энергии, которая появилась в космосе. Она, значит, подвергается закону уже этого мира. То есть, когда я выплескиваю краску, она благодаря гравитации и электромагнитному взаимодействию начинает и химическим между собой взаимодействовать. Потому что не все, разные цвета, например, у акриловой краски, у них там немножко разные формулы, разные составляющие по пигменту. И это физика, химия, они вступают в какие-то реакции. Они вступают в реакцию с воздухом, начинают сохнуть, с электромагнитным взаимодействием начинают как-то растекаться, вот. И это получается такая, то есть я руковожу только моментом выбора цвета, вот с цветом я работаю.
И когда вот действительно возникает большой взрыв, появляется свет и цвет. Это очень важно, потому что мы живем в этом пространстве восприятия цвета и света, и времени. И это се отображается в нашей культуре, в нашем творчестве. И потом, когда это все остывает, появляется первая протоструктура, протоматерия и тогда возникает супрематическая абстракция, где я использую геометрические формы. Это как бы одну свободную абстракцию, на нее накладываю вторую, геометрическую абстракцию и возникает у меня уже конфликт, как бы свободный, где я отдаю свободу физическому материалу, как краске. И другое, я уже как бы организую структурно, делая композиции линиями, и организовываю все это в геометрические формы.
И уже третье, это появление жизни, появление человека, который является субъектом по отношению к вселенной, как объекту и начинает анализировать и соответственно создавать в своей голове образ того, что он видит. И таким образом появляется искусство, таким образом, появляется картина. То есть в принципе картина нам не нужна. Это какое-то… апелляция к нашему иррациональному, откуда мы берем картинку, образ и переносим его уже в реальность в это реальное пространство, благодаря конкретно вот этой картине.
Да. А самое главное, что наука, как искусство требует все время молодых дерзаний, чем больше будет у вас, ребята, дерзания к познанию, тем самым, я думаю, что ближайшее время перейдем, благодаря, конечно, квантовой механике и квантовой супер позиции откроем, значит, временные туннели и погрузимся в пространство других измерений. И подтвердим тем самым хокинскую теорию струн, и тогда наши картины, как у художников начнут преображаться и изменяться в других измерениях. И об этом мечтают только художники, чтобы поработать с другим измерением. Так что надо дерзать.
Иван Плющ известен своими масштабными пространственными инсталляциями и яркими живописными картинами. Главная тема творчества художника- тема времени.
Все свои работы Плющ выполняет в роли артефактов, так или иначе фиксирующих следы жизненных процессов. Плющ выбирает своим предметом процесс. Некую длительную систему координат, развернутую во времени, но ограниченную пространственно - рамой холста или границей инсталляции. Если Кабаков стремился воссоздать дух коммунального жилья, до мелочей воссоздав его в художественном пространстве, то Плющ своими намеренно компьютеризованными конструктами, напротив, стремится передать саму длительность жизни как сложной системы сосуществования. В отличие от Кабакова, все социальное Плющ представляет как наносное, вульгарное, в-конце-концов-не-имеющее-значения.
НОВАЯ НОРМА
2019г., холст, масло, 250х180 см
Мальчик на картине - символ нового поколения, которое возможно благодаря работе ученых, сможет жить вечно и сохранять своё сознание в новом цифровом пространстве.
Средства для бессмертия искали все ученые во все времена, но именно сегодня наука будто бы ближе всего к разгадка - разгадка эта кроется в совершенно новом подходе к вопросу: сделать бессмертным не тело, но сознание, интеллект, внутренний мир человека. Кто знает, возможно, скоро мы сможем сохранить наше сознание на гигантском сервере, где оно может хранится, а затем быть перенесено в новый совершенный мозг.
Оцифровка человеком самого себя и своего сознания с целью бессмертия - одна из тем творчества Ивана Плюща. Его работы - это попытка визуального осмысления инструментов бессмертия, которые будут доступны в обозримом будущем.
В качестве дизайнера сформировал стиль футбольного клуба «Зенит», сделал это брэндом с фирменными магазинами и узнаваемыми сувенирами. Затем в Москве он в качестве арт-директора «поставил на ноги» дизайн «Wildberries», Henkel, SELA.
При этом основное призвание Романа – это художник, его яркие картины очень популярны в офисах нового поколения менеджеров. Впрочем, выставлялись и в Лувре и во многих других значимых площадках. Картины с тонким юмором и философским подтекстом, эмоциями, бытовой фантасмагорией и оптическими иллюзиями.
Роман актуализирует попартовские шаблоны, переводя их на современный язык.
ПЕРСПЕКТИВА
2019г., холст, масло, 250х180 см
На картине мы видим перспективу, горизонт, который манит абитуриентов, вот это и есть предвкушение.
Палец говорит: «Внимание, вот что самое важное и главное». Мы видим и планеты, символизирующие путешествия, и лайки - популярность, сердечки – любовь, лестницу – карьеру, и всё остальное, на что рассчитывают молодые, выбирая свой путь.
Все это крутится вокруг той стези, которую можно выбрать, и путь к ней лежит через книгу, через учёбу, через науку. Стань учёным – и всё вокруг тебя будет крутиться.
Мы видим молекулы, эти молекулы, кстати, в цвет российского триколора. И все это вяжется, крутится, это очень динамично, мне кажется, как и будущее этих абитуриентов. Здесь мы видим девушку, которая уже сделала свой выбор, сделала свой шаг в будущее. Сделайте и Вы.
Я к тому, что мне кажется, и я в этом убежден, что те, кто будут делать, совершать открытия, вокруг них будут крутиться планеты, а планеты – это и путешествия, это и интересная жизнь. Здесь вы найдете узнаваемые стилизации про открытия Леонардо Да Винчи и Ньютона, а силуэты в виде облаков – это дань прошлому, дань ученым.
Роман Резницкий
автор работы
Автор работает с поэтикой абсурдизма, оперируя образами массовой культуры, медийного мусора, мультяшного мира, где все герои — супер.
Его работы — это своего рода визуальные оксюмороны, в которых сталкиваются несовместимые образы: Микки-Маус, Шрек, Симпсоны и другие, уже захватившие медийное пространство - вторгаются в поле традиционной культуры, внедряясь в композиции известных картин.
В своих парадоксальных и, казалось бы, комедийных работах художник выступает скорее как иронический свидетель современности — он говорит о беспрецедентной агрессии массовой культуры, нашествии «гламурятины», диагностирует запредельную эклектичность современного сознания.
БИЛИБИН. НОВЫЕ ТЕХНОЛОГИИ
Серия работ с отсылкой к творчеству великого русского иллюстратора Билибина.
На работах вы видите персонажей в кафтаах 17 века, которые бродят по своим весям в поисках какой-то отдушины, какого-то развлечения. То, что срежиссировала челядь, им уже надоело. И вдруг он натыкается на каких-то необыкновенных существ, которые занимаются совершенно необыкновенными делами. Из-под рук, которых выходят какие-то цветные облака, и которые рисуют прямо в воздухе. Это гораздо выше всех тех развлечений, которые домашние слуги подготовили и пытались героев убаюкать. То, что они видят перед собой, это, конечно, наука, но герои воспринимают её, как сказку. В принципе, вот глазами человека не- посвященного оно так и воспринимается, лабораторная работа, лабораторная деятельность, где какие-то необыкновенные жидкости, перетекающие с необыкновенными формами облаков вокруг них, с необыкновенными приборами. Все это может завораживать. И, тем более что из этого могут еще получаться совершенно необыкновенные результаты.
Мои работы — это генераторы когнитивного диссонанса, остроумная и даже опасная игра, напоминающая не только о болезнях информационного общества, но и об истории искусства
Я считаю, что если бы наши технологии попали бы в 17-тый век, то люди бы верили, что попали в сказку. Этим и объясняется сказочная и былинная сила будущих ученых и их магический образ
С работами Василия Слонова знаком практически каждый активный пользователь интернета: кто-то видел его «Мухобаму» (Василий, вдохновившись небольшим курьезом во время выступления Барака Обамы, увековечил образ политика, нанеся на лицевую часть мухобойки его портрет), кто-то наверняка делал репосты его инсталляции-сердца из красных зонтов. Иностранные СМИ, к примеру Wall Street Journal, обратили внимание на творчество Слонова после скандального закрытия в 2013 году его персональной выставки «Welcome! Sochi 2014» в рамках фестиваля «Белые ночи».
Некоторые из его постконцептуальных объектов установлены в городской среде, к примеру, около Красноярского музейного центра на Стрелке.
СКАФАНДР «E=MC2»
ДЛЯ ПОГРУЖЕНИЯ В ГЛУБИНЫ ОТНОСИТЕЛЬНОСТИ
Реди-мейд, металл, микро-компьютеры, видеоинсталляция, в натуральную величину, 40х40х80 см
Представленная работа посвящена метафоре погружения человека с помощью моего скафандра в глубины относительности. Как существует мировой океан, аналогично существует и в немировой океан научного постижения этого мира.
Современный мир, мир, в котором мы живем, возможно постигать исключительно тремя способами. Первый способ – это научное, практическое познание. Второй способ – это гуманитарные какие-то практики. И третий опыт познания – это эмпирически-религиозный, основанный на божественном откровении.
Что наука знает о том мире, в котором мы живем? Как пример возьмём состояние физики в начале ХХ века. Физика в начале ХХ-ого века считалась затухающей наукой, поскольку физики считали, что они знают всё о мире на 75-90%, что практически уже все итак понятно.
И мировые университеты планировали закрывать факультеты физики, потому что это было очень непопулярно, и те физики которые уже на тот момент были, их достаточно, чтобы своими изысканиями дополнить недостающую картину мира, такое было представление. И вот в самый неожиданный момент появился Эйнштейн с его математическими моделями и расчётами.
Математические модели Эйнштейна показали, что мир не 3-мерный, а 25-мерный. Что дальнейшие поколения учёных только подтверждают. Это полнейшая фантастика и глубина не доступная человеческому сознанию. И для учёных стало очевидно, что наука знает и понимает что-то об этом мире всего на какие-то жалкие 1-2 %.
От себя хочу добавить, что научное постижение и знание о мире находится еще в грудном возрасте. По большому счету, ученые еще от мамкиной титьки не оторвались. Поэтому очень важно заниматься наукой. И самое завлекающее и интересное – что впереди как раз осталось этих 22 измерения. И когда ученые подойдут к этим 22-м измерениям, там откроется еще штук 50 измерений. Вперед, товарищи, в науку!
Работа называется «Скафандр для погружения в относительность». В глубочайшую относительность.
В постижении этого мира, скажем, ученый и художник, поэт – они занимаются одним и тем же делом. Описывая закат солнца, астроном создает какие-то модели. Он описывает его через модели. А поэт описывает через стихи. А по сути, они об одном и том же. Они отвечают на вопрос «как». А уже богослов – он отвечает «зачем».
Для меня, конечно, загадка, какое занятие более кайфовое – заниматься искусством или заниматься наукой. Я думаю, что максимальный кайф – это как раз именно коктейль искусства, художественного постижения мира и научного. Друзья, упивайтесь этим безумным коктейлем! Всем счастья, процветания и всего-всего.
Наташа Стручкова создаёт «пиксельную» живопись, имитируя компьютерную графику 90-х гг. В основу сюжетов ложатся компиляции из популярных медийных образов. В 2009 г. Стручкова обращается к картинам русских художников: на своих полотнах она пересоздает их узнаваемые сюжеты и пейзажи из деталей LEGO.
Конструктор становится метафорой мира, в котором все материалы и предметы заменили универсальные пластиковые детали. Многократная участница Московской биеннале.
Работы выставлялись в Третьяковской галерее (Москва, Россия), Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), Гараже (Москва, Россия), Hiroshima City Museum of Contemporary Art (Хиросима, Япония), BALTIC Centre for Contemporary Art (Гейтсхед, Великобритания), Pinchuck Art Center (Киев, Украина). Картины Стручковой находятся в собрании Московского музея современного искусства.
NEW
2018г., холст, акрил, светодиодная рама, диаметр 120 см
Работа New воплощает поиск нового в промежутках материального.
Я расскажу немного про свою работу, «New» она называется. Это работа из серии потолочных плафонов, работа тондо, круглая работа, которая отсылает нас к росписям храмовым и росписям Ренессанса, когда расписывали потолки в церквях и различных дворцах. Обычно тема потолочной росписи связана с какой-то надеждой, надеждой на будущее, как правило, на будущее лучшее будущее и прекрасное более чем настоящее. И мне захотелось сделать современную роспись, как бы она могла выглядеть сегодня, в наши дни. И я подумала, что сегодняшние облака стали уже материальные. Они могут быть сделаны из пластика конструктора «Лего», но эти облака по-прежнему оставляют нам надежду, оставляют надежду на лучшее будущее. Поэтому в облаках у меня зашифровано слово «нью».
Мне хотелось, чтобы люди, глядя на эту работу, думали о том, что нужно надеяться на инновации, что нужно надеяться на новое. И поднимая голову к небесам, вот, чтобы мы видели это слово и думали о том, что все может погибнуть вокруг, да, но надежда на это новое и лучшее, как правило, оно должно остаться.
Для своих работ, я использую компьютер, я использую технологии современные, несмотря на то, что обладаю навыками академической живописи, вот. Я применяю разные инновации для своей работы. Я использую трехмерные программы, я использую много компьютер, графический планшет. я стараюсь, чтобы моя живопись, она, в ней читалась вот эта новая технологическая как бы черта, новая эстетика, связанная с цифровыми технологиями.
Поднимая голову к облакам и надеясь на что-то лучшее, мы как бы видим будущее сквозь материю, сквозь эти облака. И в моей картине, собственно, слово «нью» находится между материей. Оно находится в небе. И хотя человеческий глаз привык читать слова, как бы состоящие из букв материальных каких-то, да, то здесь мне хотелось бы подчеркнуть, что все-таки вот это чувство прорыва и озарения, оно находится между букв, между материей, между носителями. То есть оно трудноуловимо, но доступно все-таки для тех, кто созидает и думает, и строит, вот.
Само слово образовано дырой между детальками конструктора, и не подчиняется конструированию. Это символ поиска новых материалов, необходимых для возведения зданий. Современные нанотехнологии применяются в строительной области, обеспечивая лёгкость материалов, снабжают человека антибактериальными покрытиями и безопасными материалами, обеспечивают антиобледенение и электроизоляцию. Композитные опоры и сетки – это строительные конструкции с новыми, ранее недоступными для фантазий формами.
Детский конструктор, который использует художница для воплощения этого символа Новой эпохи, символически впитал все эти достижения, но поиск Нового – продолжается.
Михаил Слободинский, куратор коллективного творчества
Начал интересоваться искусством с раннего детства, увлекался живописью и музыкой. В 2002 году обучался иконописи. С 2004 года, можно сказать, занялся живописью серьезно и основательно. В 2007 присоединился к арт-группе «ПВХ» («Просто Великие Художники»).
В её составе начал активную выставочную деятельность в городах России и за рубежом. 2010-2014, участвовал в некоторых выставочных проектах «художественной секты Колдовские Художники». Собственные работы характеризует, как космогонический сюрреализм, виженари арт. Выставки прошли в Москве, Петербурге, В.Новгороде, Женеве, Королёве, Себеже, Красногорске, Киеве и Риме.
ПРЕОДОЛЕНИЕ ГРАВИТАЦИИ
2019г., холст, масло, 150х200 см
На работе изображены животные: обезьяна, кошка и другие и Тесла. Гениальный Тесла летит над океаном, а животные его схватили и не отпускают. То ли не позволяют ему оторваться от земли, то ли наоборот спасаются с помощью него, где они вытаскивает из каких-то сложных, непонятных ситуаций. Обезьяна амбивалентна – она обладает достаточно злобной мордой, но при этом она улыбчивая. На самом деле все животные не злятся, а улыбаются. Кошка улыбается, чайка улыбается. Бабочка тоже улыбается, но она повернулась к нам затылком, поэтому её и нельзя разглядеть.
Можно провести аналогию, что животные являются представителями невежества, а Тесла является источником знаний. Так и неразумные люди с одной стороны презирают науку и осмеивают, и выступают против неё, но когда доходит дело до критических ситуаций – тоже уповают только на неё и учёных. Так дети насмехаются над своим учителем, источником знаний, пытаются утопить, но на самом деле Учитель, их держит на себе.
Родился в 1954 году в Ленинграде. Его отец — художник, а мать — искусствовед, и, казалось бы, ему изначально было предначертано стать живописцем. Но увлекавшийся с детства рисованием, Федоров, по окончании физико-математической школы, поступил в Ленинградский Технологический институт. Получив профессию нефтехимика, он окончательно определился и вернулся в творчество. С 1985 года участвует в выставках.
В созданном Федоровым неповторимом стиле отразилась двойственность его талантов: страсть к творчеству и успехи в технических науках. Персонажи композиций одновременно реалистичны и фантастичны, а окружающая их безвоздушная среда подчеркнуто ирреальна.
ПЕРНАТЫЙ ЗМЕЙ и ФАЛЬШИВЫЙ ЗАЯЦ
Даже неискушённый зритель должен, глядя на них, сразу понять: важнейшим из искусств для нас является генетика.
Чтобы заняться генетикой и биотехнологиями, для этого надо сначала захотеть и попробовать создать полезное своими руками. Вот и я захотел, а затем и произвёл на белый свет Пернатого Змея и Фальшивого Зайца. Для изготовления Змея мне пришлось генномодифицировать наждачную бумагу, семечки подсолнуха, монеты, гвозди, карандаши, зубочистки, куриные перья и даже кошачий глаз. Таким образом удалось решить еще и экологическую проблему утилизации и внести свой вклад в зелёные технологии.
Заяц на самом деле рыба, но с ногами и ушами. В результате наша фауна пополнилась новыми существами, пока, правда, на холсте. Но я уверен, молодое поколение биотехнологов пойдёт намного дальше меня.
Аристарх Чернышёв создает проекты на стыке новых медиа и современного искусства. В 2005 совместно с Алексеем Шульгиным организовал галерею и группу Электробутик, и создал ряд проектов и инсталляций, эксплуатирующих спекулятивный и критический подход к медиа-арту, которые активно выставлялись в российских и международных музеях, галереях и институциях.
Преподает в Школе мультимедиа и фотографии им. Родченко. С 2014 куратор и соорганизатор Элекромузея совместно с Алексеем Шульгиным.
PiO
инсталляция, 2019г., смешанная техника, пластик, светодиоды, информационный щит
Этот новый, необычный девайс является гибридом пиявки и смартфона, питается кровью владельца
Команда из десятков биоинженеров, нейропрограммистов, биохимиков, фармацевтов, иммунологов, разработчиков биочипов и передового программного обеспечения трудилась в лабораториях, чтобы предусмотреть все Ваши потребности в информации, ведении здорового образа жизни, безопасности и даже того, чего вы еще сами не знаете.
Забудьте о постоянном поиске подзарядки, больше не нужны провода! Этот новый, необычный девайс является гибридом пиявки и смартфона, питается кровью владельца, тем самым поддерживает работоспособность, одновременно собирает медицинские данные, анализирует их, производит синтез веществ необходимых для организма и вводит их Вам.
Сергей Чобан - российский и немецкий архитектор. Руко- водитель архитектурных бюро SPEECH (Москва) и Tchoban Voss Architekten (Берлин). Член Союза архитекторов России и Союза художников России, академик Московского отделения Международной академии архитектуры и почетный академик Российской академии художеств, Союза немецких архитекторов (BDA).
Автор более 40 построек в различных городах России, Германии, Италии, многие из которых отмечены престижными международными наградами. Лауреат Европейской архитектурной премии (European Prize for Architecture) 2018 года.
ОБРАЗОВАНИЕ = ИНДИВИДУАЛЬНОСТЬ
«ОБРАЗОВАНИЕ», 2012Г., 2019Г., СМЕШАННАЯ ТЕХНИКА, 70Х90 СМ
Мне всегда хотелось нарисовать свои архитектурные фантазии и идеи так, чтобы они стали понятны и людям, далёким от нашей профессии. Научиться рисовать так, чтобы твои рисунки заставляли людей заинтересоваться и реализовать нарисованное - всегда было моей целью. Но без многих лет обучения и учебной практики это, на мой взгляд, невозможно. Тем более, что такая учеба сама по себе – удовольствие.
Сергей Чобан (рисунок),
Денис Дмитриенко (графический дизайн)
Художник-график
Член Союза Художников СССР и член Горкома Художников-графиков с 1978 года. 1985 - Переезд на Запад, живет в Германии, Испании и Нью Йорке. В 1993 году получает Золотую медаль Венской Академии. Женя Шеф - неоднократный участник художественных биеннале, в том числе II Московской Биеннале (2007), 55 Венецианской Биеннале (2013), Мдина Биеннале на Мальте (2017). Его персональная выставка под названием «Слава Нового Века» проходила в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге (2011).
Много совместных проектов по всему миру с другими мастерами: Ильей Кабаковы, Олегом Васильевым, Владимиром Сорокиным, Виталием Комаром и Александром Меламидом.
БЕССМЕРТИЕ
Когда мы задумываемся о БЕССМЕРТИИ в первую очередь мы думаем о выдающихся творческих произведений и их создателей - гениев человечества - ученых, писателей, композиторов и художников, внесших лепту в развитие человеческой Цивилизации. Это - символическая перспектива неуведаемого существования творений человеческого ДУХА.
Следующее, что нам может прийти в голову – это настоящее бессмертие. „Ген старения"– создание цивилизации, следующий уровень в истории развития жизни – „прогрессивная" эволюционная ступень. 50-60 миллионов лет назад ГЕН СТАРЕНИЯ еще не существовал – и динозавры жили БЕСКОНЕЧНО! и бронтозавры, жуткие чудища глубокой древности, были на клеточном уровне постоянно МОЛОДЫМИ! И БЫЛИ СПОСОБНЫ ЖИТЬ ВЕЧНО!
И вот сейчас – прямо у нас на глазах, возникает третий путь к БЕССМЕРТИЮ, объединяющих оба предыдущих: учитывая новый уровень научных знаний касательно ГЕНЕТИКИ и клеточного строения: недаром только что три ученых- Уильям Кэйлин, Питер Рэтклифф и Грэг Семенза- получили очередные Нобелевские премии за исследования в области клеточных структур. А академик Скулачёв делает открытия в области бессмертия клекти. Мы находимся перед вратами важнейшего исторического момента: прорыв в НАУКЕ, и истории ВСЕГО ЧЕЛОВЕЧЕСТВА! Кто же тот исследователь неизвестного пространства, кто этот Прометей, что принесет жаждущему человечеству негасимый огонь ВЕЧНОЙ МОЛОДОСТИ?! А может быть, это – ТЫ!
Сергей Шеховцов — российский художник, скульптор, избравший в качестве основного материала поролон. В 2004 году инсталляция Шеховцова «Кинотеатр» представляла Россию на биеннале современного искусства в Сан-Паулу, Бразилия.
В 2013 году Сергей Шеховцов разработал призовую статуэтку ежегодной премии «The Art Newspaper Russia»: статуэтка выполнена из поролона в виде перекрещивающихся, как стрелки часов Биг-Бена и Спасской башни Кремля, что «подчеркивает синхронизацию России с мировым художественным процессом».
Живёт и работает в Москве.
ОБЛОЖКА TIME
«TIME», 2019Г., ЦИФРОВАЯ КАРТИНА, ПЕЧАТЬ
Эта обложка американского журнала Time «из ближайшего будущего». Фантастический сюжет стал реальностью.
Российский борт космического корабля встречает гостей из космоса, российский триколор отражается в глазах инопланетянина. Ирония, да. Но и надежда, что российские нанонаука вырвалась вперёд, и поэтому именно нам, первым в космосе, будет суждено и первым обнаружить братьев по разуму. Ведь существует довольно большое количество людей, которые свято верят или по крайней мере допускают возможность присутствия инопланетного разума, или сказать проще - НЛО существует, и мы его ждём.
Я кстати тоже допускаю ... немного.
Художник и автор объектов Владимир Королюк работа- ет в соавторстве с художником Дмитрием Шориным с 2012 года.
Дмитрий Шорин в 1993 году вступил в Товарищество художников «Свободная культура», занимавшее пространство Арт-центра «Пушкинская, 10». В 2008 году он стал самым молодым художником, удостоенным персональной выставки в Мраморном дворце Государственного Русского музея. Участник первой и третьей Московских биеннале современного искусства. В 2009 году был номинирован на премию Кандинского в категории «Проект Года». В 2013 году его проект I believe in angels был представлен на 55-й Венецианской биеннале.
Живут и работают в Санкт-Петербурге.
ЗВЕЗДА
Технологические совершенствования невозможны без ежедневных фундаментальных прорывов в науке, в нанотехнологиях, в цифровых технологиях, которые в свою очередь невозможны без умения пользоваться аналоговым мышлением. Если мы открыли планету Kepler-452b, а дети забудут из чего состоят кристаллы льда, то мы дальше никуда не сдвинемся. Художники подчеркивают важность образования, без него не случится поступательного развития. Нанотехнологии развиваются вместе с нами, и, если мы перестанем совершенствоваться – они замрут вместе с нами. Но нынешняя молодежь хочет создать нечто новое, не существовавшее до нас. Художники приветствуют это стремление и мечтают пожить в этом новом мире, который будет создан новым поколением ученых. Цилиндры звездообразного авиамотора, так похожие на высокотехничного робота, помогающие Юне изобретать в этой скульптуре – и есть отсылка к аналоговому инженерному мышлению, столь нужному для цифрового прорыва.
